crítica cinematográfica

Ridley Scott vuelve a encontrarse con esta saga con la presumible intención de contar algo más, algo necesario para despejar las dudas del origen de su mítica criatura. Con la reciente cancelación de Alien 5, parece claro que esta nueva saga de precuelas sigue un camino diferente al de la simple explotación del universo xenomorfo.

Hay muchas preguntas a las que jamás encontraremos una respuesta, quizá, porque no la tengan, o también porque nosotros mismos no somos capaces de encontrársela. En esa encrucijada es donde parece estar sumido el protagonista de esta historia de derrotas anímicas. Él que dedicó toda su vida a interpretar y reinterpretar la conducta del ser humano a través de la literatura, acabó, sin embargo, dibujando el retrato de la desesperanza en una huida hacia ninguna parte que sólo se puede saldar de una forma trágica.

Bruno Dumont, que se dio a conocer en el festival de Cannes con películas como “La vida de Jesús”, premio cámara de oro en 1997; “L’humanicé” 1999, premio especial del jurado, o “Flandres” en 2006, de absoluta radicalidad y cargadas de cierto misticismo, ha operado en estos últimos años un giro en su carrera cinematográfica, con la serie policiaca y burlesca de “Ptit Quinquin” concebida para la televisión y que fue presentada en su versión íntegra en la Quincena de Cannes en 2014.

A partir de un poemario ajeno, la directora Milagros Mumenthaler se dejó llevar por el fluir de las emociones para arribar a esa zona de la intimidad que solamente se comparte cuando la necesidad de recuperar una historia del pasado viene acompañada de un intento de sanar viejas heridas.

El regreso de Gore Verbinski al terror luego de la recordada La Llamada (The Ring, 2002), sin duda el mejor y más interesante exponente de la multitud de remakes y exploitations hollywoodenses de la década pasada en torno al J-Horror, es una de las películas más alucinantes y extrañas que haya entregado el mainstream de los últimos años.

"La Bella y la Bestia", uno de sus más importantes caballos de batalla, tenía su turno este año para esta reconstrucción. En estos procesos Disney se muestra conservadora, no dejándose llevar por posibles adaptaciones libres de aquellos éxitos pasados. En su lugar, se ciñen bastante al relato conocido, y en este caso se llevan la palma al crear un producto inusual excesivamente similar al que ya se vio a principios de los 90.

Últimamente cuando uno lee comedia francesa dan ganas de salir corriendo. Si bien otros géneros están tratados por la cinematografía gala desde un punto de vista de madurez que ya quisieran para sí otros paises, a la hora de hacer reir en Francia se suele optar por lo más chabacano y burdo.

El silencio que se sobrepone a la lujuria, el miedo que explora territorios donde siempre reina la derrota, o el poder de concentración de las miradas perdidas que expresan a la vez anhelo de venganza y determinación perversa a la hora de buscar con ansia una libertad engendrada por el deseo tan poderosa en sí misma que se nos muestra incapaz de ser aplastada, son, cada una de ellas, una buena aproximación al universo fílmico que nos propone el hasta ahora director teatral William Oldroyd a la hora de provocar a nuestros sentidos con esta versión de la novela “Lady Macbeth de Mtsennsk” del escritor ruso Nikolai Leskov.

"Kalo Pothi, un pueblo de Nepal" trata sobre el impacto extraordinario de una contienda en el decurso rutinario de unas vidas en comunidad. El film, astutamente, trata el asunto desde el incierto período de tregua que vivió el país en 2001, evitando caer así en los horrores gráficos de la batalla.

No está demás reforzar la idea que la apuesta al cine argentino de género, con fuerte presencia de la televisión es auspiciosa y necesaria. Tampoco dejar de rescatar el nivel técnico de las producciones o co producciones de los últimos años, más allá de las expectativas que puedan o no generar las historias y el modo de contarlas.

La reedición del clásico japonés de la ciencia ficción, pasado por la factoría de Hollywood, no ha traído más que preocupación entre los fans del género y, en concreto, del producto original. La adaptación se preveía pasada por el tamiz diseñado para los espectadores occidentales, a través de cuyos poros no suelen cruzar elementos culturalmente más locales, y temáticas no aptas para públicos generalistas.

Después de poder ver y disfrutar en un corto espacio de tiempo de la surcoreana Train to Busan (Yeon Sang-ho, 2016) y de la japonesa "I am a Hero" (Shinsuke Sato, 2015) a quien esto suscribe no le queda la menor duda: el cine de temática zombie (o “no muertos”, como dicen los entendidos en la materia) està viviendo un autentico resurgir gracias a las cinematografías asiáticas.

"Kong: la isla calavera", se erige como un intento de coger el mítico personaje simiesco de la historia del cine y darle una vuelta a la trama que lo presenta, combinando distintos géneros a varios niveles en una mezcla de respuesta difícilmente controlable.

Hay algo hipnótico y magnético en ese supuesto cine de metraje encontrado que se suele teñir además de documental y que nos remite casi como ningún otro texto fílmico a una esencia literaria y tradición de la novela epistolar cuyo referente más famoso es el Drácula de Bram Stoker, del que esta película de Gabriel Velázquez y Blanca Torres que ya se pudo disfrutar en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, no se encuentra demasiado lejos.